На каком языке говорит скульптура, Почему у античных статуй маленькие пенисы?
Он появился в эпоху Раннего Возрождения. Я сначала просто смотрел, слушал, чему-то учился, со временем начал помогать с заказами Другим примером фронтонных композиций этого времени является скульптура храма Зевса в Олимпии — годов Олимпия, музей. В песочном овраге строил дороги, по которым ездили машины, вылепленные мною же из пластилина.
Процесс создания статуй, воздвигавшихся в честь победителей в гимнастических состязаниях и представлявших собой не скульптурный портрет, а идеализированные фигуры, заставляли греческих ваятелей внимательно изучать обнажённое человеческое тело. Повсюду, на Эгине , в Аргосе , Сикионе , Афинах и других местах, возникают скульптурные школы, и среди ваятелей славятся Дипойн и Скиллид , Каллон , Онат , Агелад и некоторые другие. VI век и начало V-го — греческая скульптура утрачивает восточное влияние и начинает развиваться самостоятельно.
К важнейшим памятникам этой эпохи относятся метопы древнейшего из селинунтских храмов в Сицилии , фронтонные группы эгинского храма Афайи , хранящиеся в Мюнхенской глиптотеке и изображающие сцены борьбы греков с троянцами. Век Перикла — период наибольшего расцвета греческой скульптуры. Известными представителями этого периода являются Каламид , в разнообразных произведениях которого грация сочеталась с тонким художественным чутьём натуры, и Мирон , среди заслуг которого привнесение в скульптуру нового элемента — смелого, одушевлённого движения.
Выдающимся скульптором эпохи Перикла был афинянин Фидий около — г. Глубоко прочувствовав характер главных олимпийцев , он создал их наилучшие образцы, которых потом придерживались многие античные ваятели. Это хризоэлефантинная статуя Афины Паллады для Парфенона , бронзовая статуя той же богини , как градохранительницы, стоявшая в афинском Акрополе , хризоэлефантинный Зевс Олимпийского храма и другие. Среди учеников Фидия наибольшую известность получили Алкамен копия с его работы — Гера виллы Лудовизи [it] , Агоракрит и Пэоний статуя Нике , найденная в Олимпии ; из произведений же его школы особенно замечательны скульптурные украшения Парфенона фронтонные группы и фриз , изображающий панафинейскую процессию.
Одновременно с этой аттической школой ваятелей процветала пелопоннесская школа в Сикионе , во главе которой стоял Поликлет , создавший идеальный тип Геры в хризоэлефантинной статуе для аргосского храма этой богини; он в особенности отличался искусством изображать юных атлетов и одним из таких изображений дорифором , то есть копьеносцем установил идеальные пропорции человеческого тела так называемый канон Поликлета.
В отношении материалов ваяния также произошли изменения: слоновую кость и золото вытеснил из употребления мрамор ; к металлическим и другим украшениям стали прибегать более умеренно. Одним из представителей этого направления был Скопас , глава новоаттической школы.
Он старался воспроизводить пафос, выражать бурные страсти и достигал этой цели с силой, какая до той поры никому не была доступна ему принадлежали оригиналы Аполлона Кифареда , сидящего Ареса виллы Лудовизи и, быть может, Ниобид , умирающих вокруг своей матери, а также ему принадлежит исполнение части рельефов Галикарнасского Мавзолея. Другой великий мастер той же школы, Пракситель , любил, подобно Скопасу, изображать глубокие ощущения и вызванные страстью движения, хотя лучше всего удавались ему идеально-прекрасные юношеские и полудетские фигуры с оттенком едва пробудившейся или ещё скрытой страстности Аполлон Сауроктон , Афродита Книдская , Гермес с младенцем Дионисом на руках, найденный в Олимпии , и прочее.
В противоположность афинским мастерам-идеалистам, скульпторы пелопоннесской школы этой же эпохи в Аргосе и Сикионе работали в натуралистическом духе, создавая, в основном, сильные и красивые мужские фигуры, а также портреты известных деятелей. Между этими художниками первенствовал Лисипп , ваятель из бронзы, современник и любимец Александра Македонского , прославившийся его портретными изображениями, создавший новый канон пропорций человеческого тела своею статуей атлета- апоксиомена то есть счищающего с себя пыль палестры и создавшего, между прочим, типический образ Геракла.
В последнюю пору самостоятельного существования греческого народа, с эпохи Александра Великого и до покорения Греции римлянами, наметился упадок творчества скульпторов. Они не утрачивают ни познаний, ни технического мастерства, унаследованных от прежних ваятелей, даже доводят это мастерство до большей тонкости, но не вносят в искусство существенно новых элементов, не открывают для него новых направлений, а только повторяют, комбинируют и видоизменяют старое, заботясь только о воспроизведении впечатления на зрителя колоссальностью размера своих произведений и живописностью сложной группировки фигур, причём произведениям часто свойственны преувеличенный пафос и театральность.
В это время происходит расцвет родосской и пергамской скульптурных школ: первой принадлежит известная группа Лаокоона в Ватиканском музее , произведение Агесандра и его сыновей Афинодора и Полидора и « Фарнезский бык » Неаполитанского музея работа Аполлония и Тавриска ; второй — « Умирающий галл » Капитолийских музеев , « Закалывающийся галл » виллы Лудовизи [it] и великолепный рельефный фриз монументального пергамского алтаря находится в берлинском Пергамском музее.
В этой последней фазе своего развития искусство греческой скульптуры перешло к римлянам. Народу, призванному к выработке основ государственной жизни и к господству над ойкуменой , было вначале не до искусства и эстетических наслаждений; поэтому он на первых порах довольствовался тем, что получил по части художеств от этрусков , и что производили выученные ими туземные мастера.
В этрусском же искусстве отразилось сначала восточное, а потом и греческое влияние; но это искусство сохранило навсегда долю своей первобытной сухости и грубости, хотя в техническом отношении и достигло значительного успеха — выработало приёмы изготовления терракотовых фигур и рельефов и литья различных предметов из бронзы; более же всего оно славилось поделками художественно-промышленного характера.
После того, как пала Греция, и произведения её ваятелей целою массою свезены были в Рим , в который, к тому же, начали стекаться её художники, было вполне естественно, что эллинское совершенное искусство вытеснило из вечного города посредственное искусство Этрурии. Греческие мастера стали работать на римлян и находить среди них учеников себе и подражателей.
Однако произведения, выходившие в это время как из греческих, так и из римских рук, имеют по большей части лишь второстепенное значение: это — более или менее удачные копии знаменитых созданий греческой пластики или подражания им. Как на лучшие из подобных произведений можно указать на статуи Венеры Медицейской , Венеры Капитолийской , Ватиканской Ариадны , Аполлона Бельведерского и других.
Впрочем, римские скульпторы не ограничивались ролью простых подражателей: мало заботясь об идеализации, они старались передавать натуру с точностью и силой. Таков характер их исторических статуй и бюстов, наполняющих собою современные музеи например, статуи Августа в Ватиканском, Марка Аврелия и Агриппины в Капитолийском музеях.
То же стремление сказывается в изваяниях, которыми римляне украшали общественные памятники для увековечения славных событий отечественной истории, подвигов и побед, распространивших владычество Рима до далёких пределов рельефы на триумфальных арках Тита, Септимия Севера, Марка Аврелия, на колоннах Траяна, Антонина и Константина. Едва ли существовал какой-либо другой народ, который расходовал бы на ваяние столь много мрамора, как римляне; но результат их работы нередко выходил очень посредственный, и сами они, спеша размножать свои произведения, по-видимому, обращали внимание больше на их количество, чем на качество, которое быстро понижалось, и в эпоху Константина Великого упало очень низко.
В таком положении застало скульптуру христианство , восторжествовавшее над язычеством. Новая религия не представляла условий, благоприятных для развития этой отрасли искусства: пластические образы и формы казались первым христианам слишком материальными, слишком чувственными и притом опасными с той точки зрения, что могли вести верующих снова к языческому культу.
Поэтому в первые века христианства ваяние, уступив своё главенство живописи и мозаике, играло лишь подчинённую роль, употребляясь преимущественно для декоративных целей. Важнейшие памятники, дошедшие до нас от этого времени — саркофаги с рельефами, символически олицетворяющими новое мировоззрение или воспроизводящими библейские сцены.
Впрочем, сохранилось также и несколько древнехристианских статуй бронзовое изваяние святого Петра в Петровском соборе в Риме, мраморные статуи святого Ипполита в Латеранском музее. По внешности все эти памятники мало отличаются от позднеязыческих; техническое исполнение их весьма слабо, но в них чувствуется веяние новых идей и искренней веры.
В тёмную пору раннего средневековья скульптура находилась в полном упадке: в Византии и вообще на Востоке оно было изгнано из употребления для крупных предприятий и производило лишь мелкие вещи, каковы диптихи из слоновой кости, кресты, оклады священных книг и икон, а на Западе, где также ему приходились удовлетворять почти исключительно потребностям религиозного культа, прозябало на почве смутных, заглохнувших античных преданий.
За романский период истории искусства можно указать на несколько любопытных явлений. Таковы в XI веке бронзовые двери Гильдесгеймского собора — произведение искусного литейщика епископа Бернвальда, в XII веке — большая купель в церкви святого Варфоломея в Люттихе , колоссальный Экстерский рельеф на каменной стене в Вестфалии и пластические украшения Буржского и Шартрского соборов во Франции ; в XIII веке — так называемые Золотые Ворота во Фрейберге , купель Бернского собора и прочие.
Первые попытки оживить искусство непосредственным наблюдением природы и изучением антиков были сделаны в Саксонии , а ещё успешнее в Италии , где Николо Пизано в середине XIII века разом поднял скульптуру на значительную высоту кафедры Пизанского баптистерия и Сиенского собора, фонтан перед ратушей в Перуджи. Наступившее вслед за тем господство готического архитектурного стиля открыло ваянию более обширное поприще деятельности: для декорирования затейливых фасадов, башенок, стен и всех частей храмов этого стиля требовалось сильное содействие пластики, и она наделяла их многочисленными резными украшениями, рельефами и статуями, причём исполняла их в духе самой готики — мистическом и мечтательном.
Произведения этого рода являются сначала во Франции скульптуры Реймского, Парижского, Амьенского и других соборов , а потом в Германии скульптуры церкви Богоматери в Трире, Бамбергского, Наумбургского, Страсбургского и других соборов. Во второй из названных стран в начале XV века каменные изваяния человеческих фигур отличаются уже значительной красотою и стройностью, а их драпировка — живописностью и осмысленностью укладки, как о том можно заключить по статуям Кёльнского собора. Дальнейшее движение немецкой пластики клонится к ещё более живому, индивидуализирующему направлению, предвозвещающему во многих отношениях стиль Возрождения.
Адам Крафт около г. Рядом с каменным и металлическим ваянием делает существенные успехи и немецкая резьба из дерева, на которую в рассматриваемый период существовал большой запрос, а именно, для алтарных и других церковных украшений. Готическая скульптура редко является самостоятельной единицей и чаще всего представляет собой часть готического собора. В противоположность северным странам, в Италии ваяние готического периода развивалось независимо от архитектуры. Своими успехами оно было там обязано, главным образом, сыну вышеупомянутого Николо Пизано, Джованни кафедра в церкви святого Андрея в Пистойе , надгробный памятник папе Бенедикту XI в Перудже, рельефы для кафедры Пизанского баптистерия.
К направлению этого художника примкнул целый ряд других тосканских ваятелей, его непосредственных учеников или подражателей, из которых особенно знамениты: Джотто , Андреа Пизано и Орканья. Благодаря усилиям этих и других мастеров итальянское искусство сбрасывает с себя последние остатки средневековой сухости и условности и в начале XV в.
Словом, наступает эпоха Возрождения. Тоскана остаётся по-прежнему главным очагом артистической деятельности, и её художники создают произведения, приводящие в восторг не только их современников, но и отдалённое потомство. Передовыми распространителями нового движения являются Якопо делла Кверчья , прозванный «della Fonte» за превосходный фонтан, воздвигнутый им в Сиене; Лука делла Роббиа , составивший себе имя в особенности рельефами из обожжённой и глазурованной глины, и высоко талантливый Донателло.
По их следам идёт фаланга более или менее даровитых мастеров. В правление папы Льва X итальянская скульптура, как и прочие отрасли искусства, достигают кульминационного пункта своего развития в работах Джан Франческо Рустичи , Андреа Контуччи Сансовино и, наконец, гениального Микеланджело Буонарроти.
Но последний, при всей громадности своего таланта, и даже вследствие её, оказал роковое влияние на дальнейший ход скульптуры: его мощный, но слишком индивидуальный и свободный стиль был не под силу его многочисленным ученикам и подражателям, из которых выдаются только Джованни да Болонья , Бенвенуто Челлини и Якопо Татти ; большинство же ваятелей, держась направления великого флорентийца, впало в капризный произвол и в погоню за одним внешним эффектом.
Чем дальше, тем больше утрачивала скульптура свою прежнюю простоту и искренность, так что в XVII столетии в Италии уже господствовала в этой отрасли искусства манерность Лоренцо Бернини , Алессандро Альгарди и их несчётных последователей. Этот стиль, известный под названием барокко , держался и в XVIII столетии, в течение которого являлись иногда произведения, не лишённые величественности и свидетельствующие о богатой фантазии их исполнителей, но чаще такие, которые любопытны лишь вследствие своей вычурности.
Вне Италии скульптура, начиная с XVI века, отражала в себе влияние итальянской скульптуры и представляло вообще мало значительных явлений. Некоторые из них, однако, заслуживают быть упомянутыми. Таково, например, основание во Франции фонтенеблосской скульптурной школы, представители которой, Жан Гужон , Жермен Пилон и прочие, оставили по себе потомству весьма талантливые произведения.
Между нидерландскими художниками достоин внимания Франс дю Кенуа , прозванный итальянцами иль Фьямминго , живший в Риме во времена Бернини и, несмотря на то, оставшийся свободным от итальянской манерности. Ещё наивнее и чище по взгляду на природу ученик Арт Квеллинус дю Кенуа. Третий значительный нидерландский ваятель, Адриан де Врис , ученик Джованни да Болоньи , известен как автор прекрасно задуманных и мастерски исполненных бронзовых произведений.
Что касается до немецкого Возрождения, то оно пользовалось ваянием почти исключительно для надгробных памятников и архитектурно-декоративных задач. Во второй половине XVIII века просыпается понимание общественной важности и достоинства искусства; оно ведёт, с одной стороны, к непосредственному, не отуманенному предвзятыми принципами подражанию природе, а с другой — к внимательному изучению того, в чём и как подобный взгляд на природу выражался в художественных созданиях цветущих времён Греции.
Сильный толчок второму из этих стремлений был дан Винкельманом , который в своих сочинениях об античном искусстве красноречиво объяснял их высокое значение и проповедовал горячую любовь к ним. Однако почва, подготовленная этим учёным, начала приносить плоды лишь позже, после того, как усилился интерес вообще к греческой древности и стали являться издания её художественных памятников, а европейские музеи обогащаться либо подлинными произведениями её пластики, либо гипсовыми слепками с них. Первые опыты обновления скульптуры через возвращение её к принципам античного искусства были сделаны в начале XIX столетия шведом И.
Зёргелем и итальянцем Антонио Кановой. Последний в особенности прославился на этом пути, хотя его многочисленные работы, мастерские в техническом отношении, ещё не чужды предшествовавшей итальянской манерности и нередко впадают во внешнюю только эффектность или слащавую сентиментальность. На тот же путь, как и эти скульпторы, вскоре выступили многие другие, большею частью их прямые подражатели.
Как на лучших между этими художниками следует указать на француза Шоде статуя « Амур и бабочка » в Лувре , Париж , испанца X. Альвареса группа «Антилох обороняет Нестора», известная под названием: « Защита Сарагосы » , англичанина Джона Флаксмана и на немецких мастеров: Триппеля статуя «Вакханка» , и Даннекера знаменитая « Ариадна на пантере », у Бетмана , во Франкфурте-на-Майне.
Но никто не достиг столь блестящих результатов, как датчанин Бертель Торвальдсен. Обладая неистощимою фантазией, он создал ряд разнообразных произведений, задуманных в чисто греческом духе, поражающих чисто античным благородством форм, а между тем вполне оригинальных, то возвышенных, то наивно-идиллических и грациозных. Во Франции пластика продолжала держаться парадного придворного направления эпохи Людовика XIV, все более и более вдаваясь в жеманство.
Лучший скульптор этого времени Жан-Батист Лемуан —; многочисленные бюсты и статуи современных знаменитостей. Его ученик Фальконе — , даровитый автор петербургского памятника Петру Великому. В духе античного искусства старались трудиться Бушардон — и Пигаль —; статуя маршала Морица Саксонского в Страсбурге. Французская школа прежде других сбросила с себя иго абсолютного классицизма и смело пошла по дороге реализма.
Гудон — внёс во французское ваяние большую простоту и жизненность; его знаменитая статуя Вольтера в Comedie Francaise другой экземпляр — в Имп. Эрмитаже с поразительной верностью передаёт наружность и саркастический характер фернейского философа.
Ещё скульпторы Первой империи, Картелье, вышеупомянутый Шоде, Ф. Бозио барельефы Вандомск. Лемо статуя Генриха IV на Нов. Мосту в Париже , Ж.
Корто фронтон палаты депутатов, апофеоза Наполеона I на триумф.
Звёзды в Париже и их непосредственные ученики, корректные и элегантные, ещё холодны в своих композициях; но рядом с ними уже действуют три художника, вносящие во французское ваяние кипучую струю жизни.
Это — Ф. Рюд , Дж. Прадье и Ж. Давид Анжерский. Первый из них «Меркурий, привязывающий крылья к своим ногам», «Молодой неаполитанский рыбак». В нач. XIX в. Давид Анжерский и Прадье стремились примирить античные традиции с романтизмом. Талант Прадье был более внешний и проявлялся преимущественно в изящной обработке форм женского тела, в создании обворожительных, живых, но чувственных фигур «Лёгкая поэзия», «Флора», «Грации», «Вакханка и сатир» и пр.
Решительный приверженец реализма и враг всякой условности, Давид Анжерский заботился не столько о красоте линий и, в сложных композициях, о ясном расчленении групп, сколько о точной характеристике изображаемого; его работы Тимпан парижского Пантеона, статуя Конде в Версале, множество портретных статуй, бюстов и медальонов всегда проникнуты глубокой идеей и высокой выразительностью, производящей тем сильнейшее впечатление, что она вложена в формы, прямо взятые из действительности.
Эти достоинства сделали Давида самым влиятельным из скульпторов недавно сошедшего со сцены поколения не только во Франции, но и в Бельгии. Рядом с тремя упомянутыми вождями французской скульптуры Нового времени должен быть поставлен Ф. Дюре , достойный последователь Рюда и Давида Анжерского «Неаполитанский импровизатор», «Неаполитанский танцор», статуя Рашели в роли Федры в театре Франц.
Делапланша «Материнская любовь», «Музыка», портрет Обера.
Многочисленные ученики и последователи Прадье трудились вообще в его духе, иногда заходя ещё далее, чем он, в пристрастии к чувственности, иногда умеряя её стремлением к более чистому идеалу и благородной грации и постоянно заботясь о доведении технического исполнения своих работ до высшей степени совершенства.
К группе этих художников относятся: О. Симар «Орест, преследуемый фуриями» , Э. Клезингер «Сафо», «Ариадна с тигром», «Опьяневшая вакханка» и А. Обширная и постоянно разрастающаяся школа трудится в том реалистическом направлении, сильный толчок к которому был сделан Давидом Анжерским.
Из среды представителей этой школы выдаются Д. Каррье-Белез , самый плодовитый из учеников Давида и самый близкий к нему по манере «Мадонна» в парижском центре С. Со второй половины XIX в. Натурализм современной французской школы нашёл себе последнее, яркое выражение в произведениях Ж. Карло, ученика Давида, Рюда и Дюре, заимствовавшего от каждого из них то, что есть в них лучшего, и соединившего их достоинства с тем, чего, быть может, им недоставало, — со своеобразным, мощным, даже необузданным талантом, родственным с талантом Микеланджело и, в то же время, Рубенса «Молодой неаполитанец-рыбак», пластические украшения павильона Флоры в Лувре, знаменитая группа «Пляска» у Большой оперы в Париже.
Несмотря на раннюю смерть этого своеобразного мастера, он оставил глубокий след в искусстве и образовал толпу учеников, из которых достойны быть упомянутыми Ж. Дали и графиня Колонна, известная под псевдонимом Марчелло «Пифия» на лестнице Большой оперы в Париже. Реализм, преобладающий во французской скульптуре того времени, не исключает, однако, существования в ней и других стремлений.
Главою классической школы явился в г. Жуффруа «Девушка, поверяющая свою тайну Амуру» в Люксембургском музее , из последователей которого особенно известны Л. Барриас «Клятва Спартака» и «Моцарт, настраивающий скрипку» и Р. Фальгьер , выказывает явную склонность к реализму «Египетская танцовщица», «Диана» и прочие , П. Дюбуа и А. Мерсье вдохновляются скульптурными памятниками цветущей поры итальянского Возрождения, ища гармонии и красоты в спокойных позах из работ первого особенно замечательны группы на памятник Ламорисьеру: «Воинская храбрость» и «Христианская любовь», а также «Неаполитанский певец XV стол.
Наконец, Франция имеет право гордиться несколькими ваятелями, великолепно воспроизводящими животных. Самое видное место среди этих художников занимает Л. Барри «Лев, пожирающий змею», «Отдыхающий лев» и небольшие бронзовые группы , которого можно считать истинным основателем этой пластической отрасли и первостепенным по ней мастером. Кроме него, вполне заслуженною известностью в том же роде пользуются Э. Фремье, О.
Каен, Л. Навале и А. Бартольди , из которых последний, независимо от произведений по своей специальности, прославился также колоссальною статуей «Свободы», принесённой французским правительством в г.
Бельгийское ваяние составляет не более как отпрыск французского — факт, легко объясняемый тем обстоятельством, что большинство скульпторов Бельгии получало или довершало своё художественное образование в Париже. В Германии, после Торвальдсена, в числе скульпторов, державшихся его идеалистического направления, особенно достоин внимания Л. Шванталер , для деятельности которого при баварском короле Людвиге I было открыто широкое поле деятельности по украшению Мюнхена колоссальная статуи Баварии, скульптурные фризы во дворцах короля и герцога Максимилиана, рельефы и статуи, украшающие глиптотеку, и прочее.
Этому художнику обязаны своим образованием многие ученики, между прочим, М. Видиман монумент Шиллеру в Мюнхене и другие , Л. Шаллер монумент Гердеру в Веймаре, рельефы в Мюнхенской пинакотеке на сюжеты из жизни Я. Дюрера и Гольбейна, аллегорические статуи четырёх звёзд и т.
Цумбуш монум. Вагмюллер «Девушка с бабочкой», «Девушка с ящерицей», превосходные портретные бюсты. Влияние Шванталера, занесённое в Вену Гассером и Фернкорном конные статуи эрцгерцога Карла и принца Евгения , до сей поры отражается в произведениях местных скульпторов, из которых заслуживают быть упомянутыми К.
Кундеман, автор памятника Фр. Шуберту, и В. Тильгнер, составивший себе лестную репутацию портретными статуями и бюстами. Шадов , не пренебрегая антиками, поставил себе главною задачей воспроизведение современности и реального мира колесница и метопы на Бранденбургских воротах, памятники Цитену и принцу Леопольду Дессаускому в Берлине, Блюхеру в Ростоке, Лютеру в Виттенберге и прочие.
Его стремления получили полное развитие в продолжительной и влиятельной деятельности X. Рауха монументы Фридриху Великому в Берлине, А. Кис, превосходно воспроизводивший животных и с успехом трудившийся также по части исторической скульптуры статуи архангела Михаила и Святого Георгия, поражающего дракона; конные статуи Фридриха-Вильгельма III в Кёнигсберге и Бреслау , Т. Калиде, А. Вольф и другие. Из среды берлинских скульпторов Нового времени особенно выдаются сильный и пылкий Р.
Зимеринг мраморная статуя короля Вильгельма в Берлинской бирже; группы «Нимфа учит юного Бахуса пляске» и «Фавн даёт пить мальчику Бахусу»; «Победный памятник» в Лейпциге. В Дрездене одновременно трудились два первоклассных ваятеля: Э. Ритшель , ученик Рауха, следовавший по его реалистическому направлению главные работы: величественный памятник Лютеру в Вормсе, монумент Шиллеру и Гёте в Веймаре, статуя Лессинга в Брауншвейге и Э.
Гэнель, последователь идеалистической школы лучшие произведения — декоративные статуи фасада Дрезденской картинной галереи, памятник князю Шварценбергу в Вене, статуя Бетховена в Бонне. Между прочими дрезденскими скульпторами более других достойны внимания: И. Донндорф, наследник живой и благородной манеры Ритшеля, его сотрудник по вормсскому памятнику Лютера, автор конной статуи Карла Августа в Веймаре и монументов: Шуману в Бонне и Корнелиусу в Дюссельдорфе.
В Англии скульптура, особенно монументальная, не нашла для себя благоприятной почвы; она в этой стране в сильной степени отражает итальянское влияние. Даровитейший из английских скульпторов, Джон Гибсон , ученик Кановы, трудился в Риме и должен быть причислен к местной классической школе мраморные группы «Психея, мучимая Амуром», «Гилас и нимфы» в Лондонской Национальной галерее, «Королева Виктория на троне, между фигурами Милосердия и Справедливости» в здании парламента, надгробный памятник герцогине Лейчестерской в Лонгфорде и другие.
Манерою Кановы отзываются труды многих других английских художников, трактовавших сюжеты античного мифа в грациозных, ласкающих взор формах, каковы, например, П.
Мак-Дауль «Виргиний и его дочь», «Моющаяся мечта» , Р. Уатт «Флора», «Пенелопа», «Музидора» и другие. В Италии стремления пластики вообще не подвергались значительному уклонению от идеалов Кановы. Следовавшие за ним даровитые художники П. Тенерани надгробные памятники герцога и герцогини Торлониа в С. Эрмитаже и Л. Бартолини статуя Наполеона I, в Бастии на Корсике, и Макиавелли в музее Уффици во Флоренции , трудились в благородно-классическом духе этого мастера.
Ученик Бартолини, Дж. Дюпре, сделал некоторый поворот в сторону натурализма «Богоматерь, оплакивающая усопшего Спасителя» на кладбище в Сиене, памятник Кавуру в Турине, «Каин» и «Авель» в Имп.
Бастиани пытался возродить стиль итальянской пластики XV века «Группа вакханок», «Четыре времени года», прекрасные портретные бюсты. Затем многочисленные ваятели Италии обратили своё внимание, главным образом, на техническую обработку мрамора, в которой и достигли высокого совершенства, производя с особой любовью сюжеты, заимствованные из современной действительности.
Самым значительным из художников этого направления был В. Кроме туземных художников, в число представителей итальянского ваяния надо включить многих иностранцев, подобно вышеупомянутому англичанину Гибсону, живших и работавших в Риме; таковы, между прочим, голландец М. Кессель «Св. Севастан», «Парис», «Дискобол», сцены из Страшного суда , баварец М.
Вагнер фриз в Валгалле близ Регенсбурга; «Минерва», покровительница художественной деятельности на фронтоне Мюнхенской глиптотеки , бременец К. Скульптура модернизма включает в себя такие направления, как кубизм , геометрическая абстракция , Де Стейл , супрематизм , конструктивизм , дадаизм , сюрреализм , футуризм , формализм , абстрактный экспрессионизм , поп-арт , минимализм , ленд-арт , а также инсталляцию.
В начале XX века Пабло Пикассо произвёл революцию в искусстве скульптуры, начав создавать его конструкции , где в одной скульптуре объединялись несовместимые объекты и материалы, как бы создавая скульптурный аналог двухмерного коллажа. С приходом сюрреализма появились такие новые виды «автоматической» скульптуры, как коулаж, которая создавалась при помощи выливания расплавленного материала например: металл , воск или шоколад в холодную воду, в результате чего после застывания материала форма скульптуры получалась непредсказуемой.
Поздние года творчества Пикассо ознаменовались его увлечением гончарным мастерством, что, в совокупности с растущим интересом к истории гончарного мастерства по всему миру, привело к возрождению искусства керамики с такими скульпторами как Джордж Эдгар Ор и впоследствии Пётр Воулкос, Кеннет Прайс и Роберт Арнерсон. В то же время Марсель Дюшан придумал термин Реди-мейд от англ. Схожим образом, работы Константина Бранкузи в начале столетия открыли путь дальнейшим экспериментам в абстрактной скульптуре.
В восстании против натурализма Родена и его современников в конце XIX века Бранкузи дистиллировал предметы вплоть до своих сущностей, что иллюстрируется утончёнными формами его серии « Птица в пространстве » Влияние Бранкузи с его стремлением к избавлению от всего лишнего и абстракции наблюдается в течение х и х годов и иллюстрируется такими художниками, как Гастон Лашез , сэр Джейкоб Эпштейн , Генри Мур , Альберто Джакометти , Джоан Миро , Хулио Гонсалес , Пабло Серрано , Жак Липшиц , а в х годах абстрактная скульптура была затронута и расширена Александром Кальдером, Лен Лай, Жаном Тингели и Фредериком Кислером, которые стали пионерами кинетического искусства.
Модернистские скульпторы в значительной степени упустили рост заинтересованности в публичном искусстве, вызванный спросом на военные мемориалы после двух мировых войн, но с х годов общественные органы стали более лояльны к модернистской скульптуре, а крупные заказы как и в абстрактном, так и в фигуративном стилях стали более распространены. Пикассо было поручено сделать макет для огромной футовой 15 м — публичной скульптуры, так называемого Чикаго Пикассо Его дизайн был неоднозначным и несколько противоречивым, и то, что представляет собой эта фигура, непонятно; это может быть птица, лошадь, женщина или совершенно абстрактная форма.
В конце х и х годов абстрактные скульпторы начали экспериментировать с широким спектром новых материалов и разными подходами к созданию своей работы. Сюрреалистические образы, антропоморфная абстракция, новые материалы и комбинации новых источников энергии и разнообразных поверхностей и предметов стали характерными для новой модернистской скульптуры. Совместные проекты с ландшафтными дизайнерами, архитекторами и ландшафтными архитекторами расширили возможную территорию и контекстуальную интеграцию.
К м годам преобладал абстрактный экспрессионизм , геометрическая абстракция и минимализм , который сводит скульптуру к её наиболее существенным и фундаментальным особенностям. Некоторые работы того периода: кубические работы Дэвида Смита и сварные стальные работы сэра Энтони Каро , а также сварная скульптура большого разнообразия скульпторов, крупномасштабная работа Джона Чемберлена и работы в жанре энвайронмент Марка ди Суверо.
В х и х годах фигуративная скульптура в стилизованных формах была представлена такими художниками-модернистами, как Леонард Баскин, Эрнест Трова, Джордж Сигал , Марисол Эскобар , Пол Тек , Роберт Грэм и Фернандо Ботеро , превращающий фигуры со своих картин в монументальные скульптуры.
В процессе археологических исследований на Неревском раскопе Софийская сторона г. Новгорода были найдены деревянные скульптуры, датированные X—XV вв. В допетровское время искусство в России имело своим призванием служить исключительно религиозным целям, а так как православная церковь гнушается изваяниями человеческих фигур, то скульптура, в настоящем смысле слова, не могла в древней Руси не только развиваться, но и существовать.
Правда, в некоторых местах, в особенности в бывших новгородских областях, пользовались уважением резные и раскрашенные изображения святых, но они были чужды всякого художественного значения и составляли изделия, возникшие под влиянием Запада. Собственно же на Руси проявления пластики ограничивались литьём небольших крестов, образов-складней, выбиванием окладов на образа и резьбою фигурных иконостасов.
В числе плодов западноевропейской цивилизации Пётр Великий перенёс в него и скульптуру, которая, однако, при этом государе и долго после него находилась здесь в руках приезжих иностранцев.
Растрелли, отец знаменитого впоследствии архитектора, вызванный в Петербург для литья пушек. О его манерном стиле свидетельствуют бронзовая статуя императрицы Анны, и монумент Петру Великому, стоящий перед Инженерным замком в Санкт-Петербурге. Собственно русское ваяние завелось только при Екатерине II, после основания Академии, где первым профессором этого искусства явился Н. Жилле, приглашённый в году из Парижа.
Он образовал нескольких учеников, в числе которых самым даровитым был Ф. Шубин главный его труд — статуя Екатерины в Академии художеств. Уставом Академии предоставлялось лучшим из её питомцев, по окончании в ней курса, ехать, с содержанием от правительства, на несколько лет в чужие края, для дальнейшего своего совершенствования, и этим правом впервые воспользовался из молодых скульпторов Шубин.
Им начинается длинный, продолжающийся до нашего времени, ряд русских ваятелей, живших и работавших за границей, преимущественно в Италии. Здесь они, конечно, подвергались влиянию популярных в то время мастеров и усваивали себе тогдашнее господствовавшее художественное направление. Поэтому скульптура в России, выказав до самого последнего времени мало самостоятельности, отражала в себе те движения, какие совершались в этой отрасли искусства на Западе: в конце XVIII века она носила отпечаток французский, а затем итальянский — более или менее заметные черты стиля Кановы, Торвальдсена, Дюпре, Тенерани и других.
При всём том среди её представителей было немало художников, которые сделали бы честь любой стране. В екатерининский век, кроме Шубина, державшегося в своих трудах натурализма, облагороженного уважением к антикам, действовали рутинер-эклектик Ф.
Гордеев группа Самсона для петергофского фонтана этого имени и даровитый, несколько манерный М. Козловский монумент Суворову на Царицыном лугу в Санкт-Петербурге, статуя «Амура, вынимающего стрелу из колчана» в Эрмитаже и прочие.
За время Александра I и отчасти николаевское, выдающимися представителями русского ваяния были: В. Пименов две группы на подъезде Горного института в Петербурге , И. Прокофьев статуя бегущего Актеона, тритоны петергофского фонтана , И. Особенное оживление получила русская скульптура во второй половине царствования императора Николая I благодаря любви этого государя к искусству и покровительству, которое он оказывал отечественным художникам, равно и таким громадным предприятием, как постройка и украшение Исаакиевского собора в Петербурге и храма Христа Спасителя в Москве.
Все русские ваятели и старейшего и юного поколения получали тогда значительные правительственные заказы и, будучи поощряемы вниманием монарха к их трудам, старались в них превзойти один другого. Главными деятелями в рассматриваемой области были в эту пору: граф Ф. Толстой медальоны на темы из Отечественной войны — гг.
Витали два фронтона Исаакиевского собора: «Поклонение волхвов» и «Святой Исаакий благословляет императора Феодосия», рельефы под портиками этого храма, скульптуры его входных дверей и прочие; статуя Венеры в Эрмитаже , барон П. Клодт «Укротители лошадей», четыре группы на Аничковском мосту, памятник баснописцу Крылову, в Летнем саду; фигура императора Николая I верхом на коне, в петербургском памятнике этому государю; мелкие изваяния лошадей , Н.
Пименов группы «Воскресение» и «Преображение» на вершине иконостасов малых приделов Исаакиевского собора; статуи «Игра в бабки» и «Мальчик, просящий милостыни» , П. Климченко «Нимфа после купанья» в Эрмитаже , А. Иванов «Маленький купальщик» , А. Логановский «Игра в свайку»; рельефы под портиками Исаакиевского собора «Избиение младенцев» и «Явление ангела пастырям»; горельефы на внешних стенах храма Спасителя и Н.
Рамазанов горельефы на внешних стенах того же храма. Необходимо, однако, заметить, что, вследствие самого рода поручений, возлагавшихся на этих даровитых художников, они бывали, в большинстве случаев, связаны в своём творчестве и не могли давать полного простора фантазии и уже пробудившемуся в их среде стремлению к реализму и национальности. Простор этот открылся с наступлением эпохи великих реформ Александра II — эпохи, в которую начертательные искусства России, вслед за её литературой, сделались выразителями самосознания, пробудившегося в русском обществе, стали невольно отзывчивы на его сомнения, желания и надежды.
Дело не могло обойтись без колебаний и фальшивых уклонений; тем не менее, в общем своём движении новейшая русская скульптура, сделав крупный шаг вперёд, завоевала себе сочувствие не одних только высших классов, но и массы родного ему общества и заставило иностранцев признать существование самобытной русской школы.
Из художников, содействовавших этому в большей или меньшей степени, а также поддерживающих достоинство русской скульптуры второй половины XIX века можно назвать: М. Баха статуя «Пифия» , Р. Баха статуя «Ундина»; горельефы «Эльфа» и «Идиллия» , А. Велионского статуя «Гладиатор», барельеф «Венера представляет Амура олимпийцам» , П. Забелло статуя Пушкина в Императорском Александровском лицее, «Татьяна, героиня пушкинского романа» у Е.
Залемана статуя «Орест, преследуемый фуриями», группа «Кимвры», барельеф «Стикс» , Ф. Крейтана портретные бюсты , Н. Лаверецкого группы «Раннее кокетство» в Эрмитаже и «Мальчик и девочка с птичкой»; статуя «Родопа» , Е.
Лансере мелкие группы и статуэтки баталического и бытового содержания с превосходными фигурами лошадей , Н. Либериха статуэтки и небольшие группы, изображающие военные и охотничьи сюжеты , Л. Обера произведения такого же рода , А. Опекушина памятник Пушкину в Москве , И. Подозерова статуи «Амур с бабочкой» и «Ева»; портретные бюсты , М. Попова статуя «Неаполитанский рыбак, играющий на мандолине», «Девочка-кокетка», «Фрина» , А. Снигиревского статуя «Любопытство», группа «В бурю»; маленькие группы жанрового характера , М.
Чижова группы «Крестьянин в беде», «Игра в жмурки», «Мать, учащая ребёнка родному слову»; «Первая любовь»; статуя «Резвушка» и, наконец, И. Шредера памятники принцу П. Скульптура советской эпохи охватывает наибольшую часть XX века. Советский период изменил статус отечественной скульптуры, открыв для неё огромные возможности — прежде всего, в плане реализации посредством беспрецедентного госзаказа. Коллекция скульптуры советской эпохи самая многочисленная из всех предшествующих ей эпох в России.
В особенности это касается второй половины XX века, так как вторая половина XX века значительно превосходит по количеству скульптур первую. Советское время породило огромное количество скульпторов.
Кто-то из советских скульпторов, как Вера Мухина и Дмитрий Цаплин , совмещали произведения разного плана и угодные власти, при этом не теряя своего качества и значения, сохранив свою индивидуальность и воплотив свои собственные творческие идеи и амбиции, кому-то это не удалось.
Выросшая из исторического опыта русской пластики, связанная, прежде всего, с московской традицией, а также впитавшая в себя опыт и новаторство европейской скульптуры, советская скульптура уже в первые десятилетия явила произведения исключительно художественного достоинства в творчестве Н.
Андреева , С. Конёнкова , А. Матвеева , И. Чайкова , Б. Королёва , В. Домогацкого , Сергея Меркурова « Смерть вождя ». Их классическая в своей основе школа определила последующую судьбу всей русской скульптуры XX века [14] [15] [16]. За расцветом русского искусства на рубеже XIX—XX веков последовал взрывной советский авангард кубизм и конструктивизм , потрясший весь мир. Ярким примером авангардной скульптуры являются архитектоны К. Малевича — супрематические архитектурные модели. Художник определял эти конструкции как архитектурные формулы новых форм.
Пластический язык Малевича предвосхитил многие решения создания удобной пространственной среды для человека. Однако с отъездом из СССР в начале х годов самых видных мастеров русской авангардной скульптуры, таких как Наум Габо и Антуан Певзнер , в советской России не осталось равных им представителей этого направления — в скульптуре.
С х годов эпоха советского скульптурного авангарда начинает резко меняться на преимущественно монументальную скульптуру, полную героических и идеалистических образов, выполняя запрос власти на соцреализм. Советская власть избрала скульптуру одним из ведущих видов искусства, издав план монументальной пропаганды. План предполагал, что скульптура должна быть исключительно монументальной в виде памятников , и это послужило одной из причин и дало толчок к консолидации творческих сил среди некоторых мастеров заняться в е годы темой анималистики, которая не вызывала такого раздражения у власти, как другие темы.
Первый очаг анималистической скульптуры возникает в Москве среди таких советских мастеров, как И. Ефимов , А. Фигура Медузы-Горгоны изображена в крупном масштабе в центре фронтона в позе коленопреклоненного бега.
Рядом с ней крошечная фигурка Персея, вносящая в композицию асимметрию. По сторонам от центральной группы изображены лежащие львы, а в углах фронтона крошечные по размеру сцены, одна из которых представляет Зевса убивающего гиганта.
Другим интересным примером решения композиции фронтонов является скульптура Гекатомпедона — древнейшего храма Афинского Акрополя, созданная ок. Помимо фронтонов рельефами украшались метопы дорических храмов. Сохранились метопы греческих храмов на Сицилии : храма «Малых метоп» — годы до н. Палермо , Национальный музей В первом из них сохранилось изображение Похищения Европы , интересное тем, как скульптор передал среду происходящего действия.
Море обозначено волнообразными силуэтами двух дельфинов. Метопы храма «С» отличаются необыкновенно сильной передачей пластики фигур, представляющих собой горельеф , приближающийся к круглой скульптуре. Интересны так же метопы сокровищницы и небольшого храма из святилища Геры близ Пестума в устье реки Селы второй четверти и конца VI века до н. Некоторые из них в силу внешних причин остались незаконченными, но были расписаны и установлены на свои места.
Создавая невысокий рельеф, скульптор не выходил за границу воображаемой им передней плоскости изображения. Вместе с тем, он сумел объединить все метопы единым композиционным ритмом. Особенностью италийских рельефов является приземистость пропорций.
На территории самой Греции во второй половине VI столетия было создано скульптурное убранство второго Гекатомпедона в Афинах около года Афины, музей Акрополя , от которого сохранилась замечательная группа восточного фронтона, изображающая Афину , повергающую наземь гиганта.
Живое движение передает драматичность происходящего.
Фигуры действительно соединены в единую группу, что показывает значительный путь развития, пройденный греческой скульптурой за столетие. Здесь же следует назвать ещё одну группу — Тесей и Антиопа , занимавшую западный фронтон храма Аполлона в Эретрии, в Эвбее около года Халкида, музей. Фигуры Тесея и Антиопы слились здесь в пластический монолит. Совершенным творением мастеров этого времени является и рельефный фриз сокровищницы сифнийцев в Дельфах ок. Непрерывный ионический фриз удачно сочетает в себе ощущение бурной борьбы с выверенным ритмом движений рук с копьями и круглых повторяющихся щитов.
Столь же высокого уровня достигают и статуи конца периода архаики. К аттической школе относится статуя всадника с Афинского Акрополя Всадник Рампина около года Афины, музей Акрополя, подлинник головы всадника в Лувре , производящая впечатление даже в виде нескольких уцелевших фрагментов.
Архаическая улыбка на лице всадника создает ощущение радостного, героического духа. Такова и происходящая оттуда же «Кора в пеплосе» около года. К грядущим иделам эпохи классики близки мужские мемориальные статуи — надгробная статуя Кройсоса из Анависоса и бронзовый курос из Пирея ок. Несмотря на все ещё крайне сдержанные движения, в них нет уже никакой застылости. Напротив, в камне и в бронзе умело переданы тонкие нюансы живого тела.
Она отличается более тонкими и сложными линейными ритмами, из-за чего однако выглядит и более дробной. Вместе со статуями создавались и их постаменты, украшавшиеся барельефами на различными темы из повседневной жизни. В технике невысокого рельефа скульптором Аристоклом создана и стела Аристиона ок. В ней особый созерцательный настрой, так подходящий для мемориального изображения, предвосхищает образы надгробных стелл периода классики [2].
В начале V века до н. Стремление прямолинейно передать натуру даже порождает угловатость форм, разрушающую гармонию статуй конца архаики. Лишь со временем искусство классики придёт к новой гармонии и цельности. Это художественное изменение порождает и некоторую перемену в тематике. Однако «жанровые» мотивы, такие как «Мальчик, вынимающий занозу», на самом деле продолжают ряд этически значимых образов.
Это образ победителя в состязаниях, не прервавшего бег вопреки произошедшей неприятности. Прекрасен рельеф «Трона Людовизи» — алтаря богини Афродиты ок.
Идеально сочетание движения поднимающейся Афродиты, ниспадающих складок одежд и склонившихся к богине нимф. На боковых сторонах алтаря представлены различные образы служения богине: нагая играющая на флейте девушка- гетера и одетая в плащ сидящая хранительница домашнего очага. Задача взаимосвязи двух фигур, объединённых единым сюжетом, была поставлена скульпторами Критием и Несиотом , ок.
Фигуры героев полиса образуют цельную композицию благодаря общему движению. Одним из раннеклассических примеров взаимодействия скульптуры с архитектурой являются фронтоны храма Афины Афайи на о. Эгина — годов Мюнхен, Глиптотека , изображающие войну греков с троянцами. Старой, ещё архаичной чертой композиции западного фронтона является стоящая по центру фронтальная фигура Афины.
Вместе с тем в фигурах воинов, в особенности в изображениях павших и умирающих, лежащих в узких углах фронтона, много нового. Особенно отличается одна из фигур восточного фронтона, передающая постепенное угасание жизненных сил павшего. Характерно исчезновение архаической улыбки, присутствующей ещё на первом фронтоне. Качественно меняются и композиции рельефов метоп, что можно увидеть на примере храма «Е» в Селинунте — годов до н.
Палермо, Национальный музей. Освоив естественные движения фигур, скульптор теперь может строить любые сюжетные композиции, тонко передавая состояния персонажей. Другим примером фронтонных композиций этого времени является скульптура храма Зевса в Олимпии — годов Олимпия, музей. Композиция восточного фронтона, представляющая стоящих подле Зевса Пелопа и Эномая непосредственно перед их состязанием на колесницах, даёт один из первых в истории искусства примеров внешне неподвижного изображения, наполненного внутренним напряжением, потенциальным движением, готовым начаться действием.
Восточному фронтону противопоставляется западный, где изображено сражение лапифов с кентаврами. В центре представлен Аполлон, властно простёрший свою руку. Господство его спокойной фигуры, контраст между разнузданными движениями опьяневших кентавров и целеустремленными действиями людей-лапифов показывают конечную победу разума и гармонии над хаосом. Метопы храма посвящены подвигам Геракла. Композиции построены так, что энергичные, подчас порывистые движения фигур не разрушают границ изображения.
Они соответствуют геометрическим членениям квадратов метоп. Такова сцена укрощения критского быка, где перекрещиваются диагональные движения быка и Геракла. Более активное движение меньшей по массе фигуры героя уравновешивает более тяжёлую, но медленную и грузную фигуру быка [3]. Одним из важных памятников, знаменующих собой переход к высокой классике, считается бронзовая статуя Посейдона , найденная в море у мыса Артемисион, ок.
Афины, Национальный музей. Бог моря представлен в шаге, занесшим руку, некогда державшую трезубец. Здесь, как представляется, впервые была решена задача сочетания грозного, энергичного движения и монументальной устойчивости фигуры.
В — годы в Аттике работал скульптор Мирон из Элевфер. Его прославленные при жизни работы известны по мраморным копиям оригиналы были бронзовые или не сохранились вообще. К последним относятся статуи победителя в беге Лада и превращенной в телку Ио. В копиях до нашего времени дошла статуя « Дискобол » мраморные копии в Национальном музее Рима, Британском музее, бронзовая статуэтка эллинистического времени в мюнхенской Глиптотеке и др.
В фигуре дискобола происходит принципиальный отказ от типа прямостоящего куроса, хотя ещё сохраняется преобладание фронтальной точки зрения. Скульптор изображает мгновение, когда юноша, согнувшись, замер и готов вновь распрямиться, метнув диск. Группа «Афина и Марсий» представляет миф о флейте , проклятой Афиной потому, что при игре на ней раздувались щеки и уродовалось лицо.
Дерзнувший подобрать флейту Марсий в испуге отпрянул от разгневанной богини. Их лица представляют собой два противоположных, универсальных типа красоты и уродства, покоя и аффекта. Творчество Мирона можно отнести к одному из двух направлений, сложившихся в искусстве классики. Одно из них, представленное мастерами Ионии и Аттики, стремилось выявить красоту движения, в то время как второе, развивавшееся на Пелопоннесе аргосско - сикионской школой, создавало образы гармонии, основанной на внешней неподвижности тела, наполненного внутренним дыханием жизни, скрытым движением.
В какой-то степени соединить обе тенденции сумел великий Фидий. Современником Фидия, мастером второго направления был Поликлет. Его творчество приходится на — годы до н.
С его именем связывается т. Всё творчество мастера было направлено на выражение порядка, строя и меры, заложенных в мироздании и в самом человеке.
Поликлет создавал образ героически прекрасного человека, что, собственно, было центральной темой всего греческого искусства, едва ли не единственным предметом изображения которого был человек или же антропоморфное божество.
По имеющимся письменным свидетельствам в качестве масштабной единицы скульптор использовал фалангу большого пальца, удвоенная длина которой равнялась самому большому пальцу, а он в свою очередь два раза укладывался в длине кисти руки. Впрочем, Поликлету не было свойственно жёсткое, механическое следование данной схеме. Скорее он имел в виду канон как общий принцип расшифровки структуры человеческого тела.
Самой знаменитой работой Поликлета был бронзовый « Дорифор » копьеносец ок. Представление о подлинной пластике мастера даёт бронзовая статуэтка юноши 3-й четверти V века до н. Спокойно стоящая фигура Дорифора полна внутренней, не выраженной во внешнем действии энергии, жизненной силы. В ней есть то же противоборство несущих и несомых частей конструкции, как и в ордерной системе греческой архитектуры. Гармония создаётся уравновешенностью всех форм, лишённых при этом строгой фронтальности.
Преодолеть неподвижность помогает хиазм, или, иначе, контрапост. Опора тела перенесена на одну из ног, бедро которой оказывается выше другого, линия плеч, напротив, наклонена в противоположную сторону. Этот приём постановки фигуры, неизвестный в период архаики, получает теперь широчайшее распространение. К более поздним работам Поликлета относится Диадумен ок. Ему свойственны даже большие изящность силуэта и легкость пропорций, показывающие дальнейшее развитие творчества мастера.
Особое состояние «героического минора», переданное благодаря вниманию к оттенкам пластической формы, присутствует в « Раненой амазонке » мраморная копия в Метрополитен-музее, Нью-Йорк.
В данном случае в композицию изначально был включён постамент, подчеркивающий ослабление сил, поддерживающих стоящую фигуру.
Между и годами общепринятой датировки нет скульптор Пеоний создал статую Ники , в которой изобразил богиню в тот момент, когда она, опускаясь, уже коснулась ногой постамента. Передача близкого к завершению движения представляет собой нечто среднее между направлениями, к которым относилось творчество Мирона и Поликлета [4].
Можно сказать, что оба описанных выше направления греческой скульптуры синтезировал в своём творчестве Фидий , друг Перикла. Его величайшие, прославленные творения также известны лишь по весьма приблизительным копиям римского времени.
Однако Фидий руководил перестройкой сохранившегося до наших дней Афинского Акрополя. Вся входящая в его ансамбль скульптура так или иначе передаёт дух его искусства. Более того, исключительное совершенство отдельных изображений позволяет видеть в них работу самого мастера. До нашего времени дошли, пусть и сильно повреждённые, статуи и рельефы Парфенона , построенного в — годах до н.
Скульптурное убранство храма продолжало создаваться до года. Пройдя пропилеи и вступив на территорию Акрополя, человек прежде всего встречал бронзовую статую Афины Промахос воительницы , являвшей собой божественное покровительство Афинам.
Богиня была изображена в шлеме с копьём и щитом. Высокий, видимый издалека из Пирея монумент был создан Фидием в — годах до н. Оригинал его утрачен.
Ещё одной бронзовой статуей работы Фидия была Афина Лемния , изображавшая богиню задумчиво смотрящей на снятый шлем, который она держала в руке.
От статуи Афины Промахос взгляд вошедшего направлялся к расположенному справа Парфенону, обращённому ко входу на Акрополь западным фронтоном, который был виден и издалека. На западном фронтоне был изображён спор между Афиной и Посейдоном за обладание Аттикой, выигранный Афиной, создавшей маслину.
